Los Comienzos del Hip-Hop en EEUU

[rapsolo]

BUENO COMO VEO K HAY PERSONAS K SE ESTAN INTERESANDO EN LEER UN POCO DEJAME PUBLICARLES ALGO K ENCONTRE HACE MUCHO ESTE ARTICULO SI K ES INTERESANTE MI GENTE

AHORA EL K LO VAYA A LEER K SE PREPARE PORK LO IMPRIMI Y DA 14 PAGINAS


Los Comienzos del Hip-Hop en EEUU



Lo primero que piensas cuando echas la vista atrás, es que todo ha pasado muy rápido...


Un día estabas escuchando aquel "Rapper's Delight" de unos, por aquel entonces, desconocidos The Sugarhill Gang, cinco minutos después Run DMC fusionaban oficialmente el rap con el rock'n'roll y casi sin darte cuenta ibas viendo cómo se producía una escalada de violencia que nos conducia de Public Enemy a N.W.A. y de ahí a Geto Boys, para finalmente tirar marcha atrás y dejar que las aguas volviesen a su cauce con nuevo héroes más mansitos y manipulables (algo lógico en el fondo, porque después de los Geto Boys ¿se podría haber llegado más lejos todavía?, ¿qué faltaba?, ¿ejecuciones públicas en los conciertos?, los límites morales habían sido traspasados hacía ya tiempo, era imposible ser más salvaje en disco).



Un sector del público rockero tardó en aceptar esta música que en un principio les sonaba a basura discotequera, y de hecho algunos todavía no han dado su brazo a torcer y siguen pensando que eso es porquería de usar y tirar.


Otros, por el contrario, se interesaron por el hip hop tan pronto como tuvieron noticia de su existencia.


Es algo natural, había bastante más R'n'R en un tema como "She watch channel zero?!" de Public Enemy que en la discografía 80's casi al completo de D.Bowie.


Los rappers contribuyeron a impedir que el negocio musical acabase siendo una especie de plácido balneario privado para los Stings y los McCartneys de este mundo.


Negros y blancos, pobres y ricos... las distinciones ya no tenían importancia, en cualquier familia podías encontrar a un adolescente machacando lo último de Public Enemy en su radiocassette; las barreras desaparecieron y el rap se infiltró en todas partes, hasta coronar los charts, en muchos casos sin la ayuda de prensa, radio y televisión.


Bowie deleitaba al mundo con espectáculos de arañas gigantes sólo aptos para estadios, las melodías dulzonas de Bon Jovi se propagaban como la peste a través de las ondas radiofónicas, Rod Stewart se esforzaba por caer cada día más bajo... y mientras tanto los Beastie Boys se reían en la cara de todos esos estrellones, N.W.A. sembraban el pánico con sus giras y Public Enemy se convertían en una de las bandas más sólidas y poderosas de la década, con una capacidad de convocatoria que iba mucho más allá de lo estrictamente musical.


Poco importaba que Deep Purple estuviesen de nuevo en activo, muchos preferían escuchar el riff de "Smoke on the Water" sampleado en el tema "Ya Slippin" de Boggie Down Productions.


Y poco importaba que Chuck Berry todavía fuese capaz de sostener una guitarra, tenía más sentido escuchar el riff de "Johnny B. Goode" en aquel "Go Cut Creator Go" de L.L.Cool J que ir a ver a Chuck haciendo el ridículo y tomándole el pelo a sus propios fans.


Los rappers les estaban dando una lección de auténtico R'n'R a muchos rockeros que habían perdido la perspectiva por completo.


NYC. 1979.


Grandmaster Flash es el amo y señor del scratching, desde su tarima confunde a las audiencias que se dejan caer por el club neoyorquino Danceteria.


¿Qué coño hace ese negro?, ¿cómo se atreve a fusionar Sly Stone con Barry White?, ¿quién se cree que es para hacer girar los discos de James Brown como peonzas y utilizarlos para su lucimiento personal, poniendo más interés en marcarse acrobacias con los plantos que en hacerlos sonar con el respeto que el Padrino merece?.


La gente no da crédito a lo que ve, la música queda relegada a un segundo plano, Grandmaster es la estrella.


Unas calles más allá, otro tipo estrafalario, Afrika Bambaataa, se recrea robando viejos riffs de guitarra pertenecientes a bandas tan poco respetadas por los negros como Grand Funk Railroad o Mountain.


En medio de un tema discotequero cuela un guitarrazo de Grand Funk o un estribillo de los Monkees, y los niggers siguen bailando tan ricamente, sin enterarse de que están siendo víctimas de un abuso cultural.


Es un juego que a Afrika le divierte, y cuando finaliza cada una de sus sesiones nocturnas, se pega el gustazo de acercarse a quienes permanecen todavía en pie, para felicitarles por lo bien que han bailado al son de esa música de blancos: "¿Te ha gustado lo que sonaba, negro?, pues te comunico que has estado danzando toda la noche al ritmo de un riff de Aerosmith".


Tal vez si hubiese habido blancos en la pista de baile, las maniobras de Afrika habrían pasado menos inadvertidas, pero a esos clubes sólo acudían negros y chicanos del ghetto, lo más opuesto que existía a una audiencia de Aerosmith o de Gran Funk Railroad.


Desde el primer momento en que el hip hop comenzó a desarrollarse como un movimiento sólido, el rock blanco estuvo ligado a él.


La cosa no empezó con la famosa versión que hicieron Run DMC del "Walk This Way" de Aerosmith en el 85 junto a Tyler y Perry.


Ya en el 79, los primeros rappers utilizaban discos de Aero, Mountain, Thin Lizzy, Stones, Doobie Brothers, Grand Funk o Led Zeppelin como base musical para sus raps.


Alguien que, sin querer, tuvo una enorme influencia en el nacimiento del hip hop fue el rockero Billy Squier.


Nadie reconoce su importancia jamás, ningún crítico, ningún medio de prestigio, Billy parece no haber existido para el mundo de la música, y sin embargo grabó una serie de buenísimos discos de hard rock melódico ("The Tale of the Tape", "Don't Say No", "Emotions in Motion", "Signs of Life") y fue uno de los primeros rockeros blancos que los rappers utilizaron para fusionar rap y R'n'R. Todo se debió a un tema: "The Big Beat", de su primer disco en solitario "The Tale of the Tape".


Los DJ's negros neoyorquinos solían usar esa canción para rapear encima; la intro de batería y el ritmo del tema encajaban de maravilla con las improvisadas rimas callejeras.


El citado "The Big Beat" llegó a ser tan popular dentro de la movida negra underground del 79, que incluso se publicó un disco pirata en donde se escuchaba un remix funk de la base rítmica, elaborado por un DJ.


Quienes vibraron con aquella canción en su momento, sí que la citan ahora, al cabo de los años, pero los sesudos críticos que dan su versión de la historia del hip hop, siempre ignoran a Billy y primerísimo hit.


Como también olvidan mencionar que "Johnny the Fox Meets Jimmy the Weed" de Thin Lizzy, era otro de los temas favoritos de los rappers del 79.


Unos tales Skinny Lizzy aprovecharon el filón para editar una remezcla funky de la canción en el 79, que se vendió muy bien en NYC.


Se podría decir que el hip hop, como movimiento, nació en el 79, pero encontramos ejemplos aislados de rap mucho antes.


Los orígenes se pueden fijar en el jazz de los años 40, y el copyright del invento hay que adjudicárselo a los MC's (presentadores con lengua de oro) que introducían a los músicos y entretenían al público entre actuación y actuación.


Esos hombres-espectáculo sólo contaban con su verborrea anfetamínica para cubrir largos espacios de tiempo, y tuvieron que elaborar una técnica de rapeo bastante personal, para no ser expulsados a patadas del escenario.


Se marcaban monólogos interminables, en donde colaban rimas con musicalidad, y lograban captar la atención de la gente. Si hubiesen contado con una buena caja de ritmos, ya podrían haber surgido estrellas del rap en aquellos años.


Algunas décadas más tarde, multitud de cantantes negros empezaron a introducir pequeños raps en temas soul.


Tenemos, por ejemplo, a Joe Tex experimentando un poco con el rap en su disco del 72 "From the Roots Came the Rapper"; Solomon Burque rapeó en la intro del tema "The Price"; Isaac Hayes se marcó un rap de 18 minutos en el tema "By the Time I Get to Phoenix" (además de otros experimentos con conexión rap como "Good Love 69969" o "Ike's Rap 1"); Bobby Womack aportó lo suyo a la prehistoria del movimiento con "Monologue/They Long to Be Close"; Millie Jackson hizo lo propio en sus clásicos álbumes "Caught Up" y "Still Caught Up"; Lou Rawis probó un poco la fórmula en "Dead En Street"; Afrika Bambaataa ya rapeaba en el 74; Barry White hizo del rap-soul-sexual un estilo de vida; el olvidadísimo Jimmy Castor se acercó al hip hop con el tema "Dracula"; George Clinton deleitó a sus seguidores con la pieza pseudo-rap "Mr. Wiggles"; y, claro, James Brown rompió moldes con temas como "Brother Rapp", "I Don't Want Nobody To Give Me Nothing" o "Rapp Payback (Where Iz Moses)".


Son los ejemplos más conocidos, pero se podrían citar muchos otros.


El rap planeaba sobre las grabaciones soul de los primeros 70's, a pesar de que nadie le había concedido demasiada importancia. Era sólo un pequeño recurso que utilizaban a veces algunos soulmen, pero resultaba difícil imaginar que de ahí pudiese salir un estilo musical con entidad propia.
El embrión del movimiento nació en las calles neoyorquinas a mediados del 76, y permaneció en la oscuridad hasta que se editaron los primeros discos en el 79.


En aquellos años (76-77-78), los rappers amateurs se grababan sus propias cintas en casa, y las vendían a los taxistas y a los negros que frecuentaban los clubs de funk.


Muchos responsables de sellos discográficos locales se maldecirían a sí mismos años después, por no haber sabido apreciar el potencial de esa música.


La gente veía a los primeros rappers estrenar sus rimas en las esquinas de las calles y no les tomaban en serio.


Aunque todo esto cambiaría de golpe en el 79, con el éxito de The Sugarhill Gang.


La artífice de ese monumental éxito que marcó el inicio de la era rap, fue una mujer llamada Sylvia Robinson, que casi se puede decir que supuso para el hip hop lo mismo que Sam Philips para el rock de los 50.


Sylvia advirtió que los jóvenes de su barrio se pasaban el día recitando rimas con cassettes como música acompañamiento, y decidió comercializar eso en disco y editarlo con su sello Sugarhill.


De modo que reunió a tres chavales totalmente inexpertos, los metió tres días en una estudio y de ahí salió "Rapper's Delight" el primer single de ese improvisado grupo que ella denominó The Sugarhill Gang.


Esperaba tener un cierto éxito con el nuevo invento, pero la reacción de la gente desbordó todas sus previsiones, y de la noche a la mañana se vio obligada a aumentar la fabricación de discos de una forma exagerada.


Se vendía ¡¡60.000 copias diarias!!, América había quedado atrapada con esa cancioncilla, que para colmo plagiaba fragmentos del tema "Good Times" de Chic.


Como siempre ocurre, el público no estaba consumiendo el verdadero producto.


The Sugarhill Gang no se habían pasado dos años machacando su rap en las calles.


¡Para nada!, eran tres petardos que se habían limitado a acatar órdenes.


Pero fueron quienes primero popularizaron el rap, y su nombre ha quedado escrito en la historia.


Más mérito tuvieron gente menos conocida como DJ Hollywood, The Fatback Band o Kurtis Blow.


DJ Hollywood era un tipo que rapeaba en el Apollo Theatre entre actuación y actuación, e influenció a gran parte de los futuros rappers.


Como los mismos The Fatback Band, una fantástica banda de soul, que se inspiró en él para grabar su himno rap "King Tim III (Personality Jock)", que se editaría a principios del 79, antes que el hit de The Sugarhill Gang.


Por su parte, Kurtis Blow se dedicaba a combinar el rap con el funk y el soul 70's, y dejó su huella bien impresa en el nacimiento del hip hop con discos como "Christmas Rappin'" y "Takin' Care of Business".


Aunque el nº1 en importancia fue, evidentemente, Grandmaster Flash.


Grandmaster se inició como DJ en los clubes de negros más underground de NYC.


Los líderes tras los giradiscos por aquel entonces eran, además de él, el citado Afrika Bambaataa y un hombre que poca gente recuerda: Kool DJ Herc, un sujeto jamaicano que mezclaba rap con reggae y que era un verdadero mago haciendo mezclas y scratching.


Herc se encargó de introducir la música jamaicana en la comunidad negra neoyorquina, a través del rap.


Su carrera prometía, pero se vino abajo tras recibir varias puñaladas en una pelea callejera. Por suerte, Flash no se vio envuelto en ningún incidente de esas características, y contribuyó a cambiar el rumbo de la industria musical con su talento y su inventiva.


Tras una corta etapa en la que se dedicó a vender cassettes propios por las calles (cobraba 1 dólar por minuto de grabación) y a pinchar discos por las noches en clubes, se tomó su carrera más en serio, y comenzó a actuar en recintos de varios miles de personas.


Su primera gran actuación data de septiembre del 76, pero la oportunidad de grabar le llegó en el 79 con el single de debut "Superrapin".


Para entonces Grandmaster Flash ya tenía un grupo de acompañamiento: The Furious Five, formados por los legendarios Melle Mel, Cowboy, Kid Creole, Rahiem y Mr. Ness.


Casi al mismo tiempo, grabaron la canción "We Rock More Mellow" y la editaron bajo otro nombre artístico (The Younger Generation), pero sólo funcionó bien "Superrapin", que dejaba claras las pautas que marcarían el sonido del grupo.


Grandmaster Flash & The Furious Five debutaron en el pequeño sello Enjoy, y tan pronto como empezaron a ser famosos, se pasaron al sello Sugarhill.


El público menos borrego se dio cuenta inmediatamente de que Flash y los suyos tenían más glamour, talento y actitud que The Sugarhill Gang. Nadie vestía como ellos, además su música tenía huevos (para la historia quedó su fantástico Lp de debut "The Adventures of Grandmaster Flash on the Weels of Steel"), y pronto demostrarían que eran capaces de escribir el tipo de textos que marcan a una generación.


Su himno "The Message" sería el tema que modificaría los esquemas del hip hop.


Antes de publicarse ese single, la gente relacionaba el rap unicamente con la diversión -a pesar de que habían ejemplos de rap comprometido como Kurtis Blow con temas con "The Breaks" (letra/wav) o "Hard Times", pero el gran público no los conocía- y con "The Message" se vio claramente que esa música podía servir también para denunciar la violencia y la podredumbre del ghetto negro.


Si más tarde aparecieron Public Enemy, Boogie Down Productions y compañía, fue probablement gracias a la influencia de esa canción.


Hay que tener en cuenta que la música disco había idiotizado un poco a la audiencia negra, todos los temas discotequeros hablaban de lo mismo: follar, lucir buenas ropas, comprar grandes coches, etc. Grandmaster Flash & The Furious Five cortaron tajantemente con esa actitud y desviaron la atención de sus hermanos hacia los temas que verdaderamente debían preocuparles: la pobreza, el racismo, la violencia.


Se aseguraban de entretener a la gente co su imagen espectacular, pero detrás de esa fachada de cueros rojos y sombreros cowboys, había cinco tíos con cerebro.


The Sugarhill Gang y Flash y compañía, se convirtieron enseguida en las cabezas visibles del hip hop. Sin embargo, no tardaron en surgir un buen montón de aspirantes dispuestos a pelear también por el trono rap.


Ahí estaban The Funky Four, liderados por Sha Rock, la primera mujer rapper; u otras féminas que vinieron después, como Sequence, The CC Crew, The Mercedes Ladies, Lady D, etc.; sin olvidar al superhéroe del rap, Captain Sky, autor del tema porno "Super Sperm"; los ahora olvidados Dr. Jeckyll & Mr, Hyde; el DJ Gary Byrd, famoso por su hit del 79 "The Crown"; o el increíble dúo Wayne and Charlie, ¡formado por un rapper ventrílocuo y su espantosa marioneta!.


Y no podemos ignorar tampoco al veterano Afrika Bambaataa, que se atrevió a pasar la música de Kraftwerk (su tema "Trans-Europe Express") por el filtro rap, adornándolo con discursos de Malcolm X, y se mantuvo en activo con formaciones con Soul Sonic Force (de este periodo cabe destacar su tema "Planet Rock"que, aunque tenía una tendencia más electro, fue también todo un éxito).


Entre el 83 y el 84, se produjeron movimientos sísmicos en la escena rap, y cayeron muchos veteranos.


Grandmaster Flash & The Furious Five, sin ir más lejos, se separaron, aunque uno de sus líderes, Melle Mel, trató de seguir con el grupo una temporada más, ¡usando a un Grandmaster Flash falso! (posteriormente, en el 88, la formación original se reuniría para grabar un buen álbum: "Gold", que pasó bastante desapercibido).


Había llegado la hora de que se produjese un relevo importante y entrasen cerebros frescos con nuevas ideas y un sonido más moderno.


Chuck D, Flavor Flav, Dr. Dre y los futuros productores del equipo The Bomb Squad, Bill Stephney y los hermanos Keith y Hank Shocklee, iban juntos a la Adelphi University, y soñaban con dedicarse a la música, pero su turno todavía no había llegado, antes debían hacer su entrada triunfal Run DMC.


El grupo empezó como dúo, con Joseph Simmons (Run) y Darrel McDaniels (DMC) repartiéndose las rimas; aunque no tardó en unirse a ellos el DJ Jam Master Jay.


Y debutaron en el 83 con unos cuantos singles ("It's Like That", "Sucker MC's"...) que sirvieron de adelanto para su preimer Lp, "Run DMC", editado en el 84.


Run DMC provenían del suburbio de Hollis, en Queens (NYC), y uno de ellos, Run, ya tenía un pasado musical: empezó a finales de los 70's girando con Kurtis Blow bajo el nombre de The Son of Kurtis Blow (El Hijo de Kurtis Blow).


En su primer álbum ya fusionaron rock y rap en el tema "Rock Box", con una buena guitarra acompañando los rapeos de Simmons y McDaniels, y en el siguiente Lp, "King of Rock", siguieron rodeándosede buenos riffs en temas como "You're Blind" o "King of Rock". Una de las curiosidades de ese disco, es que el texto del tema "Can You Rock It Like This" lo escribió un jovencísimo L.L.Cool J, que acababa de debutar con un single titulado "I Need a Beat", y que pronto tendría en la calle su primer Lp, "Radio".


Y por si eso fuera poco, en los créditos de "Can You Rock It Like This", encontramos otro nombre que pronto estaría en boca de todo el mundo: el de Rick Rubin, que por aquel entonces era todavía un estudiante que llevaba las gestiones de la compañía Def Jam, desde la habitación que ocupaba en su universidad.


Rick creó Def Jam junto al mánager Russell Simmons en el 84, y ese mismo año ya triunfaron con el citado single de Cool J y el primer Lp de Run DMC.


Claro que la buena racha no había hecho más que empezar.


En el 85, Run DMC duplicaron las ventas con su segundo álbum, y L.L.Cool J se convirtió en uno de los nuevos artistas más prometedores de América con su Lp "Radio", producido por Rubin.


Era un crío, no tenía más que diecisiete años, y vivía con su abuela en Queens, pero estaba preparado par comerse el país.


Y casi lo consigue, lástima que la fiebre Cool J no durase más de tres o cuatro años.


El primer single de "Radio", el poderoso "I Can Live Without My Radio", hizo de él una superestrella.


Aquel álbum supuso un gran paso adelante para el rap: nueva actitud, nuevo sonido, mayor fiereza...


Los puristas consideran que es lo mejor que ha grabado Cool J en su carrera, aunque hay quien opina que su gran obra maestra fue su segundo álbum "Bigger and Deffer", publicado en el 87, con temas como "Go Cut Creator Go" o "I'm Bad", en los que el sonido es atronador y Cool J rapea con más mala leche.


Un año antes de la publicación de "Bigger and Deffer", en el 86, la industria musical acogió, definitivamente y forma oficial, a los rappers con los brazos abiertos.


Un par de discos multimillonarios tuvieron la culpa de ello: "Raising Hell" de Run DMC y "Licensed to ill" de Beastie Boys.


Hasta entonces, los rappers habían ido escalando posiciones en las listas de éxito americanas, pero la espectacular ofensiva de Run DMC y Beastie Boys en el 86 no dejó lugar a dudas: el rap se había transformado en la música del momento.


"Raising Hell" era el álbum más compacto de Run DMC, muy superior a sus dos anteriores obras, e incluía la versión de "Walk This Way" junto a Perry y Tyler, que modificaría los esquemas mentales de mucha gente.


Y "Licensed to ill" suponía la tarjeta de presentación (a nivel popular) para los Beastie Boys tras haber pasado varios años fabricando material underground, grabaciones hardcorianas que ahora pueden encontrarse recopiladas en el disco "Some Old Bullshit".


Con "Licensed to ill", Beastie Boys animaron la escena musical como pocos grupos lo habían hecho hasta entonces. Eran un soplo de aire fresco en una década dominada por marionetas al servicio de las multinacionales, cancioncillas light, clips inofensivos y mega-tours faraónicos de viejas glorias decadentes.


Los tres combos rap más importantes del momento, Run DMC, L.L.Cool J y Beastie Boys, se juntaron a Whodini (otros rappers que un par de años atrás habían tenido bastante éxito con un álbum correcto titulado "Escape", el segundo de su discografía), y se lanzaron a la carretera en un tour que marcaría una época, probablemente la mejor gira rap de la historia.


Excepto Whodini, todos atravesaban su mejor momento, Cool J era el Tyson de hip hop, una fiera indomable; los Beastie Boys contagiaban sus buenas vibraciones a todo aquel que iba a verles; y Run DMC habían conmocionado al país: sus canciones eran himnos para los jóvenes negros (y gran parte de los blancos también) y sus accesorios estéticos eran el uniforme a imitar.


Tras esa histórica gira, se iniciaría el declive popular para Run DMC y Beastie Boys.


Los primeros siguieron grabando buenos discos como "Tougher Than Leather" o "Back From Hell", pero otra nueva generación de rappers se encargaron de destronarles.


Y los Beastie Boys mantuvieron un nivel de calidad muy alto con su siguiente álbum, el fantástico "Paul's Boutique", pero las ventas cayeron en picado; y también sorprendieron positivamente con "Check Your Head", a pesar de volver a fracasar a nivel comercial.


No fue hasta la publicación de su disco "Ill Communication", que el trío logró levantar cabeza comercialmente, además de encandilar a los críticos que les despreciaron en los tiempos de "Licensed to ill".


Cool J, por su parte, tuvo mucho éxito con "Bigger and Deffer", pero sufrió un considerable bajón artístico con su tercer Lp, "Walking With a Panther" (buen disco, pero inferior a los dos primeros), y de nuevo volvió a triunfar en los charts con el cuarto, "Mama Said Knock You Out", un flojo disco del que no hay mucho que destacar (el excelente tema que lo titula y poco más), para hundirse definitivamente en la miseria con el mediocre "14 Shots to the Dome".


Pero no perdamos el hilo, volvamos a la resaca post-Run DMC. El hip hop había estado dominado en esa fase de mediados de los 80 por canciones intrascendentes sobre sexo, Adidas sin cordones (no olvidéis el gran tributo que les dedicaron Run DMC con el tema "My Adidas"), el culto al ego, fiestorras sin límite, etc. Ya era hora de que la conciencia negra se manifestase de manera contundente en el rap, y de que la semilla plantada por Grandmaster con "The Message" diese sus frutos.


El primer indicio de que algo estaba cambiando fue el disco de debut de Public Enemy "Yo! Bum Rush the Show".


Bueno, aquello más que un indicio fue una patada en la cara, ¡menudo disco!, la tensión que desprendía se podía cortar con un cuchillo.


Al lado de Public Enemy cualquier banda parecía endeble e inofensiva.


Tenían un sonido que se apartaba de cualquier cosa conocida, definitivamente eran la primera formación seria y amenazadora que había surgido del hip hop.


Textos inteligentes y muy duros, música aplastante, demoledora y estética paramilitar.


Ahí estaban sus primeros clásicos: "You're Gonna Get Yours", "Muzi Weighs a Ton", "Sophisticated *****"... Rick Rubin firmó como productor ejecutivo, y Vernon Reid colaboró con su guitarra.


El mundo podía prepararse, la descarga de Public Enemy con su segunda obra sería implacable.


También en el 87 surgió una ramificación importante dentro del hip hop, el ahora célebre Gangsta rap, con Ice-T a la cabeza. Nuestro querido Original Gangster se dio a conocer con el Lp titulado "Rhyme Pays", y en la misma carpeta del disco ya empezó a explotar esa imagen de gangster chulo putas que le ha acompañado durante toda su carrera.


Desde un principio fue algo así como el protagonista del film "Superfly" pero en versión rap 80's.


A "Rhyme Pays" le siguió otro disco correcto, que con el paso del tiempo ha quedado quizá un poco desfasado ("Power"), sus dos mejores álbumes ("Freedom of Speech" y "Original Gangster") y otro menos inspirado que los anteriores ("Home Invasion").


Además , como bien sabéis, Ice-T lidera su grupo de hardcore metálico, Body Count, con quienes grabó un primer disco que fue todo un bombazo ("Body Count") y una triste secuela que no ha convencido a nadie ("Born Dead").


El tercer gran acontecimiento rap de 1987, fue la aparición de un dúo que creó su propio universo personal dentro del hip hop. Me refiero a Eric B.


& Rakim, una de las formaciones más innovadoras de los 80.


No hacían hardcore-rap, ni tenían nada que ver con los grupos que se habían dado a conocer hasta entonces. Eric B. se encargaba de fabricar una verdadera sinfonía de samplings y scratchings, un fascinante conglomerado de sonidos, y Rakim rapeaba sobre ellos con su peculiar voz. Quien todavía no los conozca y esté interesado en el hip hop, debería comprar sus discos de inmediato; intentar describir cómo sonaba su música sería absurdo.


"Paid in Full" fue el alucinógeno álbum que inscribió el nombre de Eric B. & Rakim en letras doradas en la historia del rap.


A éste le seguirían joyas como "Follow the Leader" o "Let the Rhythm Hit' Em", brillante discos que no deberían faltar en ninguna antología del rap.


El siguiente año (88) se resume, en cuestión de rap, sobre todo en tres lanzamientos: "It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back" de Public Enemy, "By All Means Necessary" de Boogie Down Productions y "Straight Outta Compton" de N.W.A. Del "It Takes a Nation..." de Public Enemy es difícil hablar sin exaltarse y lanzar una interminable ráfaga de elogios.


Es, en mi opinión, el mejor disco rap que ha visto la luz hasta el momento.


Su compra es obligada para cualquier seguidor del rock o de la música actual.


En cuanto al "By All Means Necessary", pues ahí está también, esperando para enriquecer la vida de cualquier fan del rap que todavía desconozca su existencia.


Fue la obra definitiva de Boogie Down Productions, grupo liderado por el rapper con complejo de maestro y filósofo KRS-One.


Se trataba de su segundo disco, anteriormente habían publicado uno bajo el título de "Criminal Minded", cuando KRS-One compartía el liderazgo con su colega Scott LaRock, que murió asesinado en el 87.


Pero "By All Means Necessary" es el álbum de Boogie Down Productions que realmente puede considerarse imprescindible, el disco en el que KRS nos ofreció lo mejor que llevaba dentro.


La portada, por cierto, es de la que no se olvidan: KRS armado con su Uzi y echando un vistazo por una ventana, un claro homenaje a la famosa foto de Malcolm X en la que también aparecía adoptando esa pose junto a una ventana, con un rifle en alto.


Desafortunadamente, KRS-One no volvió a obsequiarnos nunca con discos de esa magnitud; lo que ha hecho desde entonces es aburrido y vacío. Y el "Straight Outta Compton" de N.W.A. merece, por lo menos, un punto y aparte.


Fue un shock descubrir a unos tipos que glorificaban la violencia con ese descaro.


Public Enemy y Boogie Down Productions al fin y al cabo intentaban ayudar a su gente, no eran basura. Sin embargo N.W.A. hacían apología del mal.


Crearon un disco diabólico, la banda sonora perfecta para los peores suburbios negros de América, como el mismo Compton.


Mucha gente intentó quitarle importancia al asunto y pintar a N.W.A. como una broma, pero ahí había verdadero talento, sobre todo en lo que respecta a tres figuras claves del rap de finales de los 80 y principios de los 90: Ice Cube, Eazy-E y Dr. Dre, que han demostrado ser muy prolíficos.


La banda la completaban MC Ren y Yella, y su irrupción en la escena rap fue revolucionaria.



La saga N.W.A. nos ha proporcionado mucho material.


Antes de "Straight Outta Compton", el grupo lanzó un primerizo disco bajo el nombre de N.W.A. and the Posse, en donde sólo firmaron cinco de los once temas incluidos, y cuya compra sólo es recomendable para el fan que desee tenerlo todo.


Y después de "Straight Outta Compton", publicaron, ya sin Ice Cube, el Ep "100 Miles and Runnin'" y el Lp "Niggaz 4 Life".


Existe también un disco curioso de MC Ren ("Kizz My Black Azz"), un par de Eazy-E ("Eazy Duz It", que en realidad lo grabó el grupo al completo, pero lo firmó sólo Eazy; e "It's On (Dr. Dre 187 UM) Killa", que fue su álbum de despedida), uno de Dr. Dre ("The Chronic") ), y la brillante discografía de Ice Cube: "AmeriKKKa's Most Wanted" (el mejor sin duda), "Kill at Will", "Death Certificate", "The Predator", "The Lethal Injection", "Bootlege & B Sides" (un recopilatorio de remezclas ) y "War & Peace".


La polémica ruptura de Ice Cube con N.W.A., condujo al rapper a terreno enemigo: Public Enemy (en realidad nunca existió una rivalidad real entre N.W.A. y Public Enemy, pero los planteamientos y la actitud de ambos grupos, chocaban bastante en ocasiones).


Cube colaboró con Public Enemy, y éstos le echaron una mano en sus discos en solitario.


La trayectoria discográfica de Public Enemy tras la publicación de su obra cumbre, "It Takes a Nation...", alcanzó buenos momentos con los siguientes dos discos, "Fear of a Black Planet" y "Apocalypse ´91... The Enemy Strikes Black". A éstos siguieron "Greatest Misses" (recopilatorio de remezclas con tres o cuatro temas nuevos), "Muse Shick'n'Hour Mess Age" (bastante mediocre), "He Got Game" y el último "There's a Poison Going On" (que ha supuesto la ruptura del grupo con su antigua discográfica, Def Jam).


Y como no dedicarles un pequeño párrafo a los Geto Boys.


De ellos se puede decir que redefinieron la expresión "hardcore-rap", grabando discos en donde la moral brillaba por su ausencia.


Su álbum "Geto Boys" es un clásico underground difícilmente superable.


No eran tan brillantes, musicalmente, como unos Public Enemy, ni lo pretendían, prefirieron ser recordados como el grupo con más mala hostia que ha surgido del rap.


Otros álbumes como "Makin' Trouble" y "We Can't Be Stopped", también tienen interés, pero no superaron al primero.


El siguiente punto de inflexión de nuestra historia será 1989 con la aparición de "3 Feet High and Rising" del grupo De La Soul, un disco lleno de referencias a toda la historia de la música negra americana y en donde el mensaje positivo y conciliador pasa a primer plano.


Con este disco, el rap vuelve a recobrar el aire festivo de sus comienzos.


Otras estrellas del rap de los 80 que aportaron cosas interesantes al movimiento, fueron Kool Moe Dee (el gran competidor de L.L.Cool J contra quien batalló en entrevistas, TV, etc. intentando desprestigiarle a cualquier precio), Big Daddy Kane (en la actualidad transformado en todo un soulman), Slick Rick (un tipo que podía haber sido realmente grande, pero que se echó a perder por culpa del crimen), 3rd Bass (dúo blanco que debutó en el 89, aportando una visión distinta y original del rap), Tone Loc (el rapper más simpático de la pasada década, con un divertido primer álbum, "Loc Ed After Dark", que batió records de ventas, y un aburrido segundo Lp, "Cool Hand Loc", que hundió su carrera), Young MC (otro defensor del rap más cachondo e intrascendente, que también sorprendió con su disco de debut, "Stone Cold Rhymin'", y decepcionó con los que vinieron después) y Queen Latifah (con su primer disco, "All Hail The Queen", el único realmente interesante de su carrera).


Los 90 estarán marcados por la semilla de De La Soul, la fusión, la experimentación, creatividad e innovación pasan a primerísimo plano y los múltiples experimentos se repiten.


Entre las tendencias más interesantes en nuestros días se encuentra el proyecto de Guru (el rapper de Gang Starr)), otro de los grupos capitales de esta historia, muy recomendable la escucha de su disco "Step in the Arena"), con una idea llamada Jazzmatazz donde músicos de jazz y rap mezclan sus sabidurías, con unos resultados que ya van por un segundo disco plagado otra vez, de colaboraciones de lujo.


Los nuevos estilos dentro de la forma de hacer rap surgen sin cesar, una de las últimas tendencias es el G-Funk, un tiempo cálido, pausado y elegante con representantes como Warren G o Snoop Dogg; o estilos más oscuros como el de Cypress Hill o el colectivo Wu Tang Clan.


Un último aspecto a tener en cuenta dentro de la escena hip hop, son los sellos discográficos independientes, algo fundamental en la evolución del rap. Nombres como Sugar Hill Records, Def Jam, Profile, Death Row, Cold Chillin', Ruthless, Tommy Boy, Rap a Lot, No Limit o más recientemente Rawkus.


Un estilo que se regenera cíclicamente, con vida propia, con su propio código de conducta y su tabla de valores, en estos momentos nadie puede pararlo.

[The_Lil_Gansta]

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[shorty_kiana]

to lo k puse en ingles lo dijo el

[Karloz_Fanito]

oh concho esta informacion esta super mano.....pero son las 12 20 de la noche i el bombillo apagao me termino de lee la segunda mita mañana jejeje

gracia por la info mano

[DSTRO187]

Eso si es un aporte durooooooooooooooo!!! Sigue dandole duro men.

[miguelreal]

no tenia na ke hacer
me puse a leer
y sali loco de tanta infomacion
!!!!!!!SOBRE CARGA---SOBRECARGA!!!!!!!
JAJAJEJAJAJUUAJAIAJAIAU
ES CORO ESO TA BUENO

[killa-blaze]

eso ta duro !! gracias manin por la informacion!!

[promise]

Muy buena informacion
un buen resumen
es ese articulo muy completo

hasta lo guarde

[BlaCk_MoNey]

Diaaaaaaaaaaaaaaaaaablo ni cuanta informacion, no mentira manito eo es bueno que tengamos gentes que nos den informaciones asi!!!!!!!!!!! gracias

[BlaCk_MoNey]

ya tu sabe, tu ta en lo correcto sige asi!!

[BlaCk_MoNey]

Me kite!!!!!!!!!!!!!! lol